Cantata at oratorio
Ang mga nangungunang kompositor ng Neapolitan opera ay tumulong din upang maitatag ang kahalili ng Baroque sa madrigal — ang cantata - na nagmula bilang isang sekular na form para sa solo na tinig na may kasamang instrumento. Giacomo Carissimi na isinama ang form bilang isang maikling dula sa taludtod na binubuo ng dalawa o higit pang mga arias sa kanilang mga naunang recitatives. Ang cantata ay ipinakilala sa Pransya ng isa sa mga mag-aaral ng Carissimi, si Marc-Antoine Charpentier; Ipinagpatuloy ni Louis Nicolas Clérambault ang tradisyon sa huling panahon ng Baroque. Sa mawala na pagkakaiba-iba ng pagkakaiba-iba sa pagitan ng sagrado at sekular na musika, ang cantata ay mabilis na na-convert sa mga layunin ng simbahan, lalo na sa Alemanya, kung saan ito ang naging punong pandekorasyon na musika ng serbisyo para sa Simbahang Lutheran. Dietrich Buxtehude at Johann Kuhnau ay dalawa sa mga nangungunang kompositor ng nasabing cantatas ng simbahan.
Habang ang mga bagong pamamaraan ng konsiyerto ay inilalapat sa mga itinatag na anyo ng musika ng simbahan, tulad ng misa, serbisyo, motet, awit, at chorale, lumitaw ang mga bagong porma na malinaw na pag-alis mula sa mga istilo at uri ng Renaissance. Ang oratorio at mga setting ng kwento ng Passion na binuo nang sabay-sabay sa mga opera at sa halos magkaparehong mga linya, na binubuo ng mga recitatives, arias, vocal ensembles, instrumental interludes, at choruses. Si Emilio del Cavaliere ay ang "tagapagtatag" ng oratorio kasama ang kanyang La rappresentazione di anima e di corpo (Ang Kinatawan ng Kaluluwa at Katawan). Ginawa sa Roma noong 1600, ang gawaing ito, hindi katulad ng totoong oratorio, ginamit na mga aktor at costume. Si Carissimi at Alessandro Scarlatti ang pinuno ng mga kompositor ng Italya na Baroque ng oratorio, at Heinrich Schütz, isang mag-aaral ng kapwa Giovanni Gabrieli at Monteverdi sa Venice, ang nangungunang 17 na siglo na kompositor ng Aleman sa larangang ito.
Nakatutuwang musika
Ang mga bagong pamamaraan ng musika ng Le nuove ay maririnig sa musika para sa mga instrumento, lalo na ngayon na lumahok sila sa mga genre na dating isinulat para sa mga walang tinig na tinig (hal. Ang motet). Ang mga form at daluyan ng instrumental na musika ay nanatiling pareho ngunit may malaking pagkakaiba-iba. Halimbawa, ang lute ay mabilis na nawala ang katayuan sa pagtaas ng harpsichord bilang ang pinaka-karaniwang instrumento para sa tuluy-tuloy na saliw ng mga dramatikong paggawa. Ang organ, bilang tradisyunal na instrumento ng simbahan, ay pinanatili ang posisyon nito at binigyan ng katuparan ang umuusbong na mga porma.
Pagbabago at pagpapalawak ng mga matatandang porma
Ang mga pares ng sayaw ng Renaissance ay lumago, noong kalagitnaan ng ika-17 siglo, sa mga sayaw ng sayaw na binubuo nang panimula ng apat na mga sayaw: allemande, courante, saraband, at gigue, na may mga opsyonal na sayaw tulad ng gavotte, bourrée, at minuet kung minsan ay ipinasok bago ang panghuling kilusan. Mga uri ng pagkakaiba-iba - ang chaconne (kung saan ang isang hanay ng mga harmonies o isang tema ng bass ay patuloy na paulit-ulit), ang passacaglia (kung saan ang tema ay paulit-ulit ngunit hindi kinakailangan sa bass), kasama ang ground bass at mga pagkakaiba-iba sa mga kilalang melodies - ipinagpapatuloy na maging tanyag. Ang mga malayang porma ay nagpatuloy din sa mga pattern ng kanilang mga Renaissance antecedents, habang lumalaki sa sukat at pagiging likha. Ang toccata, prelude, at fantasia ay pinalawak sa multisectional form gamit ang tatlong pangunahing instrumento na texture — imitative counterpoint, chordal homophony, at virtuosic passage work — sa pagsasama, paghahalili, at kaibahan. Ang Renaissance fugal form, higit sa lahat ang canzona at ricercar, ay unti-unting umunlad sa huli na Baroque fugue, at ang cantus firmus compositions ay patuloy na umusbong bilang isang resulta ng kanilang liturgiyo.
Ang sonata at concerto
Ang mga pangunahing bagong kategorya ng instrumental na musika sa panahon ng Baroque ay ang sonata at concerto. Orihinal na inilapat sa mga instrumental na piraso ng ensemble na nagmula sa canzona, ang terminong sonata ay naging pagtatalaga para sa isang form na mangibabaw ng instrumental na musika mula sa kalagitnaan ng ika-18 hanggang ika-20 siglo. Sa pagpapakita ng keyboard nito, ito ay isang binary (two-part) na istraktura na katulad ng isang kilusang sayaw-suite. Para sa maliit na ensemble, lumaki ito sa isang serye ng mga independiyenteng paggalaw (karaniwang sa isang mabagal-mabagal-mabagal na pag-aayos) na tinawag na sonata da chiesa ("sonata ng simbahan") o isang sayaw ng sayaw na tinawag na sonata da camera ("silid sonata"). Lalo na kilalang ang trio sonata, para sa dalawang mga violin (o flutes o oboes) at cello na may Continuo. Nang maglaon, ang mga katulad na porma ay pinagtibay para sa orkestra (sinfonia o concerto), para sa orkestra na may isang maliit na grupo ng mga tampok na mga instrumento (concerto grosso), o para sa isang solo na instrumento na may orkestra (solo concerto). Ang pangunahing prinsipyo ng concerto ay ang kaibahan ng mga instrumental na grupo at mga texture sa musikal.
Sa buong panahon, ang musika ng keyboard ay umunlad, lalo na sa mga kamay nina Jan Pieterszoon Sweelinck sa Netherlands, sina Johann Pachelbel at Johann Froberger sa Alemanya, Girolamo Frescobaldi sa Italya, at Domenico Scarlatti sa Espanya; sa Pransya ang punong exponents kasama sina Rameau at François Couperin.
Ang instrumento na ensemble ng musika, kapwa kamara at orkestra, ay pinamamahalaan ng mga Italiano, pangunahin mula sa Bologna, ang Bolognese school na gumagawa ng mga kompositor na sina Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi, at Giuseppe Tartini. Ang Purcell sa England at Couperin at Jean-Marie Leclair sa Pransya ay kinatawan ng maraming mga kompositor sa ibang mga bansa na naimpluwensyahan ng mga modelo ng Italyano ng instrumento na ensemble ng musika.
