Mga impluwensya sa dramatista
Ang mga playwright ay apektado, sinasadya o walang malay, sa pamamagitan ng mga kondisyon kung saan sila naglalagay at sumulat, sa pamamagitan ng kanilang sariling socioeconomic status, sa pamamagitan ng personal na background, sa posisyon sa relihiyon o pampulitika, at sa kanilang layunin sa pagsulat. Ang pormasyong pampanitikan ng paglalaro at ang mga nakakaintriga na elemento nito ay naiimpluwensyahan ng tradisyon, isang natanggap na katawan ng teorya at dramatikong pagpuna, pati na rin ng makabagong enerhiya ng may-akda. Ang mga pantulong na teatro ng teatro tulad ng musika at disenyo ay mayroon ding sariling pagkontrol sa mga tradisyon at kombensyon, na dapat igalang ng manlalaro. Ang laki at hugis ng playhouse, likas na katangian ng entablado at kagamitan nito, at ang uri ng relasyon na hinihikayat sa pagitan ng aktor at madla ay natutukoy din ang karakter ng pagsulat. Hindi bababa sa, ang mga pagpapalagay sa kultura ng madla, banal o kabastusan, lokal o internasyonal, panlipunan o pampulitika, ay maaaring magapi ang lahat sa pagpapasya sa anyo at nilalaman ng drama. Ang mga ito ay malalaking pagsasaalang-alang na maaaring kunin ang mag-aaral ng drama sa mga lugar ng sosyolohiya, politika, kasaysayan ng lipunan, relihiyon, kritikang pampanitikan, pilosopiya at aesthetics, at higit pa.
Quiz
English at Irish Playwrights (Bahagi Isa) Pagsusulit
Sino ang sumulat ng Fan ng Lady Windermere's Fan?
Ang papel ng teorya
Mahirap suriin ang impluwensya ng teorya dahil ang teorya ay karaniwang batay sa umiiral na drama, kaysa sa drama sa teorya. Sinubukan ng mga pilosopo, kritiko, at dramatista na ilarawan kung ano ang mangyayari at magreseta kung ano ang dapat mangyari sa drama, ngunit ang lahat ng kanilang mga teorya ay apektado sa kanilang nakita at nabasa.
Teorya ng Kanluranin
Sa Europa ang pinakaunang umiiral na gawa ng dramatikong teorya, ang fragmentary Poetics of Aristotle (384–322 bce), pangunahin na sumasalamin sa kanyang mga pananaw sa trahedya ng Greece at ang kanyang paboritong dramatista na si Sophocles, ay may kaugnayan pa rin sa isang pag-unawa sa mga elemento ng drama. Gayunman, ang elliptical na paraan ng pagsulat ni Aristotle, ay hinikayat ang iba't ibang edad na ilagay ang kanilang sariling pagpapakahulugan sa kanyang mga pahayag at gawin bilang prescriptive kung ano ang naniniwala na nais lamang na maging deskriptibo. Walang katapusang pagtalakay sa kanyang mga konsepto mimēsis ("imitasyon"), ang salakay sa likuran ng lahat ng mga sining, at katharsis ("purgation," "paglilinis ng emosyon"), ang tamang pagtatapos ng trahedya, kahit na ang mga paniwala na ito ay ipinagisip, sa bahagi, bilang sagot sa pag-atake ni Plato sa poiēsis (paggawa) bilang apela sa hindi makatwiran. Ang "karakter" ay pangalawa sa kahalagahan sa "balangkas" ay isa pa sa mga konsepto ni Aristotle na maaaring maunawaan na may sanggunian sa pagsasagawa ng mga Greeks, ngunit hindi mas makatotohanang drama, kung saan ang sikolohiya ng karakter ay may isang pangunahing kahalagahan. Ang konsepto sa mga Poetics na higit na nakakaapekto sa komposisyon ng mga pag-play sa kalaunan edad ay na sa tinatawag na mga unyon - iyon ay, ng oras, lugar, at pagkilos. Maliwanag na inilalarawan ni Aristotle kung ano ang kanyang napansin - na ang isang pangkaraniwang trahedyang Greek ay may isang solong balangkas at kilos na tumatagal sa isang araw; hindi niya binanggit ang lahat ng pagkakaisa ng lugar. Ang Neoclassical kritiko noong ika-17 siglo, gayunpaman, na-codize ang mga talakayang ito sa mga patakaran.
Isinasaalang-alang ang abala ng naturang mga patakaran at kanilang pangwakas na kahalagahan, nagtataka ang isang tao sa lawak ng kanilang impluwensya. Ang pagnanais ng Renaissance na sundin ang mga matatanda at ang sigasig nito sa dekorasyon at pag-uuri ay maaaring ipaliwanag ito sa bahagi. Sa kabutihang-palad, ang iba pang gawaing klasikal na kinikilala sa oras na ito ay ang Art of Poetry ng Horace (c. 24 bce), kasama ang pangunahing panuto na ang tula ay dapat mag-alok ng kasiyahan at kita at magturo sa pamamagitan ng kasiya-siya, isang paniwala na may pangkalahatang bisa sa araw na ito. Sa kabutihang palad, ang sikat na drama, na sumunod sa mga kagustuhan ng mga patron nito, ay nagbigay din ng isang nakalaya na impluwensya. Gayunpaman, ang talakayan tungkol sa dapat na pangangailangan para sa mga unyon ay nagpatuloy sa buong ika-17 siglo (na naghahantong sa kritiko ng Pranses na kritiko ng Nicolas Boileau, na orihinal na nai-publish noong 1674), lalo na sa Pransya, kung saan ang isang master tulad ni Racine ay maaaring isalin ang mga patakaran sa isang taut, matinding karanasan sa teatro. Sa Espanya lamang, kung saan inilathala ni Lope de Vega ang kanyang Bagong Art of Writing Plays (1609), na isinulat mula sa kanyang karanasan sa mga tanyag na madla, ay isang boses na kahanga-hangang bumangon laban sa mga klasikal na patakaran, lalo na sa ngalan ng kahalagahan ng komedya at likas na halo nito may trahedya. Sa England kapwa Sir Philip Sidney sa kanyang Apologie para sa Tula (1595) at Ben Jonson sa Timber (1640) ay umaatake lamang sa kontemporaryong kasanayan sa entablado. Si Jonson, sa ilang mga prefaces, ay gumawa din ng isang nasubok na teorya ng comic characterization (ang "humour") na makakaapekto sa komedya ng Ingles sa loob ng isang daang taon. Ang pinakamagandang kritisismo ng Neoclassical sa Ingles ay ang John Dryden's Of Dramatick Poesie, isang Sanaysay (1668). Lumapit si Dryden sa mga patakaran na may nakakapreskong katapatan at nagtalo sa lahat ng panig ng tanong; sa gayon tinanong niya ang pag-andar ng mga unidad at tinanggap ang pagsasanay ni Shakespeare sa paghahalo ng komedya at trahedya.
Ang masiglang imitasyon ng kalikasan ay kinikilala bilang pangunahing negosyo ng kalaro at kinumpirma ng mga tinig na may kapangyarihan ni Samuel Johnson, na nagsabi sa kanyang Paunang Salita sa Shakespeare (1765) na "palaging may apela na bukas mula sa pagpuna sa kalikasan. "At ang dramatistang Aleman at kritiko na si Gotthold Ephraim Lessing, na sa kanyang Hamburgische Dramaturgie (1767–69; Hamburg Dramaturgy) ay hinahangad na mapaunlakan ang Shakespeare sa isang bagong pananaw ni Aristotle. Sa inalis ang klasikal na stritjacket, nagkaroon ng paglabas ng mga dramatikong lakas sa mga bagong direksyon. Nagkaroon pa rin ng mga lokal na kritikal na skirmish, tulad ng pag-atake ni Jeremy Collier sa "imoralidad at kabastusan ng yugto ng Ingles" noong 1698; Ang pag-atake ni Goldoni sa namamatay na commedia ng Italya sa ngalan ng higit na pagiging totoo; at ang reaksyunaryong Voltaire ay nais na bumalik sa mga unities at may taludtod na tula sa trahedya ng Pransya, na hinamon ng tawag ni Denis Diderot para bumalik sa kalikasan. Ngunit bukas ang daan para sa pagbuo ng burges na gitnang-klase at ang mga pamamasyal ng romantismo. Si Victor Hugo, sa paunang salita sa kanyang pag-play na Cromwell (1827), na ginawaran ang bagong sikolohikal na romantiko ng Goethe at Schiller pati na rin ang katanyagan ng sentimental na burges na drame sa Pransya at ang lumalaking paghanga sa Shakespeare; Itinataguyod ni Hugo ang katotohanan sa kalikasan at isang kapansin-pansing pagkakaiba-iba na maaaring magkasama sa kahanga-hanga at ang nakakaganyak. Ang pananaw na ito kung anong drama ang dapat matanggap ng suporta mula sa Émile Zola sa paunang salita sa kanyang pag-play na Thérèse Raquin (1873), kung saan ipinagtalo niya ang isang teorya ng naturalism na tumawag para sa tumpak na pagmamasid ng mga tao na kinokontrol ng kanilang pagmamana at kapaligiran.
Mula sa gayong mga mapagkukunan ay dumating ang kasunod na intelektwal na diskarte nina Ibsen at Chekhov at isang bagong kalayaan para sa mga nasabing seminal innovator ng ika-20 siglo bilang Luigi Pirandello, kasama ang kanyang panunukso na mga mixtures ng walang katotohanan na pagtawa at sikolohikal na pagkabigla; Bertolt Brecht, sinasadya na masira ang ilusyon ng entablado; at Antonin Artaud, nagtataguyod ng isang teatro na dapat maging "malupit" sa mga tagapakinig nito, na gumagamit ng lahat at anumang mga aparato na namamalagi. Ang modernong dramatista ay maaaring magpasalamat na hindi na maitago ng teorya at gayun din ang ikinalulungkot, hindi sinasadya, na ang kontemporaryong teatro ay kulang sa mga artipisyal na mga limitasyon sa loob kung saan maaaring gawin ang isang artifact ng mas tiyak na kahusayan.
Teorya ng Silangan
Ang teatro sa Asya ay palaging may ganoong mga limitasyon, ngunit wala sa katawan ng teorya o ang pattern ng paghihimagsik at reaksyon na matatagpuan sa West. Ang drama ng Sanskrit ng India, gayunpaman, sa buong naitala na pag-iral nito ay nagkaroon ng kataas-taasang awtoridad ng Natya-shastra, na inilarawan sa Bharata (ika-1 siglo bce-ika-3 siglo), isang kumpletong pagkakasunud-sunod ng mga panuntunan para sa lahat ng gumaganap na sining ngunit lalo na para sa sagradong sining ng dula kasama ang pantulong na sining ng sayaw at musika. Hindi lamang kinilala ng Natya-shastra ang maraming uri ng kilos at kilusan, ngunit inilarawan din nito ang maraming mga pattern na maaaring ipalagay ng drama, na katulad ng isang modernong treatise sa form na pangmusika. Ang bawat maiisip na aspeto ng isang dula ay ginagamot, mula sa pagpili ng metro sa tula hanggang sa hanay ng mga damdamin ay maaaring makamit ang isang pag-play, ngunit marahil ang pangunahing kahalagahan nito ay nakasalalay sa pagbibigay-katwiran ng aesthetic ng drama sa India bilang isang sasakyan ng paliwanag ng relihiyon.
Sa bansang pinaka-tanyag na bantog ng mga naunang manunulat ng Noh, si Zeami Motokiyo, na sumulat sa pagliko ng ika-15 siglo, ay nag-iwan ng isang maimpluwensyang koleksyon ng mga sanaysay at tala sa kanyang anak tungkol sa kanyang kasanayan, at ang kanyang malalim na kaalaman sa Zen Buddhism ay nag-infuse ng drama sa Noh sa mga ideyang para sa sining na nagpumilit. Relihiyosong katahimikan ng pag-iisip (yūgen), na ipinadala sa pamamagitan ng isang magandang kagandahan sa isang pagganap ng mataas na kabigatan, ay nasa gitna ng teorya ng dramatikong sining ni Zeami. Pagkalipas ng tatlong siglo, ang pambihirang dramatista na Chikamatsu Monzaemon ay nagtayo ng pantay na mga pundasyon para sa teatro ng papet ng Hapon, na kalaunan ay kilala bilang Bunraku. Ang kanyang kabayanihan ng dula para sa teatro na ito ay nagtatag ng isang hindi magagamit na dramatikong tradisyon ng paglalarawan ng isang napakahusay na buhay na inspirasyon ng isang mahigpit na code ng karangalan at ipinahayag na may labis na seremonya at masigasig na lyricism. Kasabay nito, sa isa pang ugat, ang kanyang nakamamanghang "domestic" na paglalaro ng kalagitnaan ng klase ng buhay at ang mga pagpapakamatay ng mga mahilig ay nagtatag ng isang medyo makatotohanang mode para sa drama ng Hapon, na kapansin-pansin na pinalawak ang hanay ng parehong Bunraku at Kabuki. Ngayon ang mga form na ito, kasama ang mas aristokratiko at intelektwal na Noh, ay bumubuo ng isang klasikal na teatro batay sa kasanayan sa halip na sa teorya. Maaari silang mapalitan bilang isang resulta ng pagsalakay sa drama sa Kanluran, ngunit sa kanilang pagiging perpekto ay malamang na hindi nila mababago. Ang drama ng Yuan ng Tsina ay magkatulad na batay sa isang mabagal na umuusbong na mga batas ng mga batas at kombensiyon na nagmula sa kasanayan, sapagkat, tulad ni Kabuki, ito rin ay mahalagang isang teatro ng aktor, at pagsasanay sa halip na mga account sa teorya para sa pagpapaunlad nito.
