Komposisyon ng sayaw ng Choreography

Choreography, ang sining ng paglikha at pag-aayos ng mga sayaw. Ang salita ay nagmula sa Griyego para sa "sayaw" at para sa "sumulat." Noong ika-17 at ika-18 siglo, talagang nangangahulugan ito ng nakasulat na tala ng mga sayaw. Sa ika-19 at ika-20 siglo, gayunpaman, ang kahulugan ay lumipat, hindi tumpak ngunit sa pangkalahatan, habang ang nakasulat na tala ay kilala bilang sayaw na sayaw.

sayaw: Choreography

Ang Choreography ay ang sining ng paggawa ng mga sayaw, ang pagtitipon at samahan ng paggalaw sa pagkakasunud-sunod at pattern. Pinakabago

Sumusunod ang isang maikling paggamot ng koreograpya. Para sa buong paggamot, tingnan ang sayaw: Choreography; sayaw, Western.

Ang komposisyon ng sayaw ay malikhaing sa parehong paraan kung saan ang komposisyon ng musika. Ang notasyon ng sayaw, gayunpaman, ay isang gawain ng pagsusuri at pag-uulat, na ginanap sa pangkalahatan ng mga tao maliban sa choreographer, sa wika o mga palatandaan na maaaring hindi maunawaan ng tagalikha.

Sa panahon ng Renaissance, ang mga masters masters sa Italya, tulad ng Domenico da Piacenza, ay nagturo ng mga sayaw sa lipunan sa korte at marahil ay nagsimulang mag-imbento ng mga bago o mag-ayos ng mga variant ng kilalang mga sayaw, kaya pinagsama ang isang malikhaing pagpapaandar sa kanilang mga pang-edukasyon. Ang balangkas na balet ay gumamit ng parehong mga hakbang at paggalaw bilang sayaw sa lipunan at naiiba sa mga ito sa pangunahin sa pag-aayos ng sahig at visual projection.

Noong ika-16 siglo, ang mga masters masters sa French court kaya't inayos ang mga pattern ng sahig at teatro at artistikong konteksto ng kanilang mga panlipunang sayaw bilang upang simulan ang isang form na choreographic, ang ballet de cour. Nang sumunod na dalawang siglo, ang puwang sa pagitan ng sayaw sa lipunan at sayaw na teatro ay lumawak hanggang sa ballet sa ika-19 na siglo ay nakamit ang isang pangunahing independiyenteng bokabularyo.

Ang master ng ballet sa panahong ito, ang koreographer, ay isang tag-ayos ng sayaw bilang isang sining sa teatro. Ang higante ng huli ika-18 siglo na choreographic art ay si Jean-Georges Noverre, na ang trabaho at mga akda ay gumawa ng dramatikong ballet, o ballet d'action, ipinagdiwang. Dito, ang ballet na isinama ng mime pati na rin ang mga pang-akademikong sayaw, na nagbibigay ng ekspresyon sa sayaw sa pamamagitan ng salaysay at histrionic na konteksto. Matapos ang Noverre at ang kanyang kontemporaryong Gasparo Angiolini, ang iba ay nagpaunlad ng kalakaran na ito sa iba't ibang paraan — lalo na si Jean Dauberval sa makatotohanang paglalarawan ng katutubong kontemporaryo ng bansa, si Charles Didelot sa paglipat patungo sa ilusyon ng romantikong yugto at pantasya, at Salvatore Viganò sa dramatikong paggamit ng ensemble (choreodramma) at naturalness ng trahedyang kilos.

Ang mga choreographers ng kilusang Romantiko ay gumamit ng balete, tulad ng na-codize ng mga panginoon tulad ni Carlo Blasis, higit sa lahat sa mga form ng teatro ng ballet d'action noong araw ni Noverre o sa mga opera na divertissement (balletic interludes). Ang ballerina, ang kanyang papel ay pinataas ng bagong naimbento na takdang aralin (posisyon ng balanse sa matinding dulo ng daliri ng paa), at ang babaeng corps de ballet ay parehong nakakuha ng bagong katanyagan. Ang mga choreographers na pinakamahusay na nakabuo ng sining ng theatrical dance narrative ay si August Bournonville sa Copenhagen; Jules Perrot, lalo na sa London at St. Petersburg; at Marius Petipa, na sa St. Petersburg ay nagdala ng kamangha-manghang klasikal na ballet d'action sa tugatog nito sa mga gawa tulad ng The Sleeping Beauty, kung saan ang mga pinalawig at kumplikadong mga suite ng klasikal na sayaw ay nagdala ng mapang-tula at metaphorical expression sa balangkas.

Ang maagang modernong sayaw sa Estados Unidos ay nagpakilala ng mga bagong elemento ng paggalaw at pagpapahayag; at sa ballet ang gawain ni Michel Fokine ay binigyang diin ang higit pang mga naturalistic na estilo at isang mas malakas na teatrical na imahe kaysa sa pagiging klasikong ballet ni Petipa. Mula noon, iba-iba ang mga form ng choreographic sa pagitan ng mga poste ng representasyon at abstraction.

Ang notasyon ng sayaw sa ika-20 siglo ay nababahala sa pangunahing kilusan pati na rin ang pormal na sayaw at tinulungan ng pag-imbento ng mga bagong sistema ng mga abstract na simbolo — na sina Rudolf von Laban at Rudolf Benesh ang pinaka-maimpluwensyang. Ang Labanotation ay ang unang nagpapahiwatig ng tagal, katatasan, o kasidhian ng paggalaw. Ngayon, ang mga system at iba pa ay patuloy na nagbabago nang mabilis, pinalakas ng pelikula at videotape.

Mabilis na umusbong ang Choreography. Ang mga pamamaraan ng komposisyon ay nag-iiba-iba sa radikal — ang ilang mga koreographer na gumagamit ng mga improvisasyon ng kanilang mga mananayaw bilang hilaw na materyal, ang iba ay naglilikha ng bawat kilusan bago magsanay. Ang Merce Cunningham ay radikal na nagbago ang konteksto para sa koreograpya sa kanyang pag-uugali sa musika at dekorasyon bilang nagkakasabay (sa halip na pakikipagtulungan o sumusuporta) na sumayaw, sa kanyang trabaho ng mga pamamaraan ng pagkakataon sa komposisyon ng sayaw at samahan, at sa kanyang paggamit ng puwang ng pagganap na hindi nandiya. Siya, George Balanchine, at Sir Frederick Ashton ay naging nangungunang exponents ng klasikal o abstract dance; ngunit ang huli na dalawa — tulad nina Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins, at iba pa — ay naglilikha din ng mga pangunahing representasyong gawa ng koreograpya. Ang tanging ganap na mga patakaran sa koreograpiya ngayon ay dapat na magpataw ng kaayusan sa sayaw na lampas sa antas ng purong improvisasyon at dapat itong humuhusay sa sayaw sa tatlong sukat ng puwang at ikaapat na sukat ng oras, pati na rin ayon sa potensyal ng tao katawan.