Mga larawan
Ang nakalarawan na mga larawan sa ika-15 siglo - ni Pisanello o Jan van Eyck, halimbawa - ay maaaring isaalang-alang na nakumpleto na mga gawa na nakalarawan sa kanilang konsentrasyon, pagpapatupad, at pamamahagi ng espasyo. Ang malinaw, maselan na pino na representasyon ay sumusunod sa bawat detalye ng ibabaw, nagsusumikap para sa pagiging totoo. Ang profile, mayaman sa detalye, ay ginustong; kahawig ng kaluwagan, ito ay katulad sa medalyon. Susunod sa katanyagan sa dalisay na profile, ang tatlong-quarter na profile, na may higit na spatial na epekto, ay dumating sa unahan, upang manatili sa loob ng maraming siglo ang klasikong tindig ng larawan.
Ang malapit na ugnayan sa pagpipinta ay nalalapat sa lahat ng mga guhit ng larawan ng ika-15 siglo. Kahit na napakalakas ng isang gawain bilang pagguhit ni Dürer ng emperador na si Maximilian na nagmula bilang isang pag-aaral ng larawan para sa isang pagpipinta. Sa parehong oras, gayunpaman, ang ilan sa mga guhit ng larawan ni Dürer ay malinaw na naka-embody ang pangwakas na yugto ng isang artistikong negosyo, isang ambivalence na maaari ding maobserbahan sa iba pang mga portraitist ng ika-16 na siglo. Ang mga gawa nina Jean at François Clouet sa Pransya at ng nakababatang Hans Holbein sa Switzerland at kahit na mas kapansin-pansin sa Inglatera sa parehong siglo ay nagbigay ng awtonomiya sa pagguhit ng larawan, lalo na kung ang isang pagguhit ay nakumpleto sa tisa ng iba't ibang kulay. Ang pagpili ng mas malambot na daluyan, ang contouring, na para sa lahat ng katumpakan nito ay hindi gaanong malubhang natatakot sa sarili, at ang mas pinong mga panloob na pagguhit ng mga elemento ng eroplano ay nagbibigay sa mga guhit na ito ng isang mas buhay, mas personal na karakter at nagpapahiwatig nang higit pa sa kanilang kalapitan sa pagpipinta.
Sa diskarteng polychromatic tisa at pastel, ang pagguhit ng larawan ay nagpapanatili ng kalayaan nito noong ika-19 na siglo. Noong ika-18 siglo, Quentin de La Tour, François Boucher, at Jean-Baptiste Chardin — lahat ng mga artista na ito mula sa Pransya — ay kabilang sa mga pinuno nito, at maging ang Ingres, na nabuhay noong ika-19 na siglo, ginamit pa rin ang pamamaraan nito. Sa pagpipinta ng pastel, ang larawan ay higit sa lahat ng iba pang mga paksa.
Sa pagpili ng pose, uri, at pagpapatupad, ang pagpipinta ng larawan, tulad ng iba pang mga form sa sining, ay naiimpluwensyahan ng pangkalahatang pangkakanyahan na mga tampok ng isang panahon. Kaya, ang matinding nakalarawan na pag-uugali ng huli na Baroque at Rococo ay sinundan ng isang mas malupit na paglilihi sa panahon ng Neoclassicism, na ginusto ang mga pamamaraan ng monochrome at nilinang pati na rin ang espesyal na anyo ng silweta, isang profile ng contour na profile na may lugar na puno ng itim. Hindi sinasadyang may utang na loob sa kanilang mga nauna sa ika-15 siglo, ang mga tagalikha ng mga guhit ng larawan noong unang bahagi ng ika-19 na siglo na naglalayong muli sa eksaktong paglalaan ng detalye at mga plastik na epekto na nakuha sa pinaka maingat na napiling mga graphic medium: ang manipis, mahirap na lapis ay kanilang paboritong instrumento. at ang puntong pilak, ay muling nadiskubre ng mga Romantiko.
Mas interesado sa mga sikolohikal na aspeto ng larawan, huli na ika-19 at ika-20 siglo na mga draftsmen ginusto ang mas malambot na krayola na madaling sundin ang bawat masining na salpok. Ang pag-agaw ng mga katangian na elemento at isang sapat na paglalagay ng eroplano ay mas mabigat sa kanila kaysa sa makatotohanang detalye. Ang mga elemento ng mood, intelektwal na pag-igting, at personal na pakikipag-ugnay ay karaniwang mga tampok ng modernong larawan at sa gayon din ng modernong pagguhit ng larawan, isang sining na patuloy na idokumento ang pansariling likhang-sining ng artist na lampas sa mga katangian ng iba't ibang mga pamamaraan.
Mga Landscapes
Tulad ng maaga sa ika-15 siglo, ang mga guhit ng landscape, ay nakakuha ng sapat na awtonomiya upang mahirap makilala sa pagitan ng natapos na pag-aaral para sa background ng isang partikular na pagpipinta at isang independiyenteng, self-nilalaman na sketched na landscape. Nasa loob ng ika-15 siglo na mga sketchbook ni Jacopo Bellini (na naimbak sa mga album sa British Museum at sa Louvre), mayroong isang matalik na koneksyon sa pagitan ng pag-aaral ng kalikasan at istruktura ng pictorial; sa studio ni Titian noong ika-16 siglo, ang mga sketch ng landscape ay dapat na ipinakita bilang mga mungkahi para sa mga nakalarawan na background.
Ngunit ito ay si Dürer na bumuo ng tanawin bilang isang alaala na imahe at awtonomous na gawain ng sining, sa madaling sabi, bilang isang tema ng sarili nang walang sanggunian sa iba pang mga gawa. Ang kanyang mga watercolors higit sa lahat ngunit pati na rin ang mga guhit ng kanyang dalawang paglalakbay sa Italya, ng mga paligid ng Nürnberg, at ng paglalakbay sa Netherlands, ay kumakatawan sa pinakaunang dalisay na mga guhit ng landscape. Kailangang pumasa ang mga siglo bago nangyari ang gayong mga guhit sa ganap na pagbabalangkas na ito.
Ang mga elemento ng Landscape ay napakahalaga din sa mga guhit at guhit at guhit ng ika-16 na siglo na Aleman at Dutch. Ang makasagisag na representasyon, na nananatili pa rin sa karamihan ng mga kaso, ay pormal na isinama sa romantikong kagubatan-at-meadow landscape, lalo na sa mga gawa ng Danube School — Albrecht Altdorfer at Wolf Huber, halimbawa. Mas madalas kaysa sa ibang mga paaralan, nahanap ng isa rito na maingat na naisakatuparan ang mga pananaw sa kalikasan. Sa Netherlands, iginuhit ni Pieter Bruegel ang mga topograpikong pananaw pati na rin ang mga libreng komposisyon ng landscape, sa parehong mga kaso bilang awtonomikong gawa.
Noong ika-17 siglo, ang pag-aaral ng likas na katangian at ang pagguhit ng landscape na lumago mula rito ay umabot sa isang bagong mataas. Ang mga guhit ng landscape ng Accademia degli Incamminati (ang mga Domenichino, halimbawa) ay pinagsama ang mga klasiko at mitolohikal na mga tema na may mga bayani na landscape. Ang Pranses na si Claude Lorrain, na naninirahan sa Roma, ay madalas na nagtrabaho sa ilalim ng bukas na kalangitan, na lumilikha ng mga guhit ng landscape na may hanggang ngayon na walang kalidad na kalidad ng atmospera. Ang ganitong uri ng nilinang at idinisenyo na tanawin, na inilalarawan din ni Poussin at iba pang mga Northerners na naninirahan sa Roma (tinawag silang Dutch Romanists dahil sa napakaraming mga artista mula sa Netherlands ang nanirahan sa Roma, ang kanilang mga guhit ng Italya na nakamit ang halos ethereal na kalidad), kabaligtaran sa unheroic, malapit sa likas na konsepto ng tanawin na pinangungunahan ng mga Lehlanders kapag naglalarawan ng tanawin ng kanilang katutubong bansa. Ang lahat ng mga pintor ng tanawin - ang kanilang mga kuwadro na gawa sa landscape ng isang espesyalidad na malakas na kinakatawan sa mga artistikong dalubhasang na Mga Bansa — ay lumikha din ng mga independiyenteng mga guhit sa landscape (Jan van Goyen at Jacob van Ruisdael at kanyang tiyuhin at pinsan, halimbawa), kasama si Rembrandt na muling sumakop sa isang espesyal na posisyon: pagkuha ng mga katangian ng isang rehiyon na madalas na may lamang ng ilang mga stroke, pinahusay niya ang mga ito sa paraang nakuha nila ang napakalaking lakas na nagpapahayag kahit sa pinakamaliit na format. Noong ika-18 siglo ng Italya, ang topograpikong matapat na pagguhit ng landscape ay nakakuha ng kahalagahan sa pagdating ng Vedutisti, ang mga purveyors ng "mga pananaw," na bumubuo ng isang grupo sa kanilang sarili (kasama nila, Giambattista Piranesi at Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) at madalas na nagtatrabaho. na may tulad na optical aid bilang graticulate frame at camera obscura. Ang mga guhit ng Landscape ng mas higit na kalayaan sa artistikong, pati na rin ang mga haka-haka na haka-haka, ay matagumpay na nagawa ng ilang mga Pranses na artista, kasama sa mga ito ang Hubert Robert; nakalarawan at atmospherically, ang mga temang ito ay umabot sa isang pangalawang pamumulaklak sa mga larawang iginuhit ng brush ng mga tulad ng mga artista ng Ingles tulad ng Turner at Alexander Cozens, na ang impluwensya ay umaabot nang ika-20 siglo.
Dahil sa kanilang malakas na interes sa paglalagay ng delineation, ang mga draftsmen ng ika-18 siglo ng Neoclassicism at, higit pa, ng Romantismo na napansin ang kalikasan na may katumpakan ng topograpiko. Bilang isang bagong "pagtuklas," ang romantically at magiting na pagpapadako sa Alpine mundo ay naganap ngayon sa isipan ng artista kasabay ng pananaw na arcadian ng tanawin ng Italya.
Ang mga guhit ng Landscape at kahit na higit pa, mga watercolors, ay nabuo ng isang hindi masayang na tema sa ika-19 na siglo. Ang Pranses na artist na si Jean-Baptiste-Camille Corot at, sa pagtatapos ng siglo, sina Cézanne at van Gogh, ay kabilang sa mga pangunahing tagalikha ng mga guhit ng landscape. Ang mga landscape ay nabuo bahagi ng gawain ng maraming mga draftsmen ng ika-20 siglo, ngunit, sa halos lahat ng siglo, ang genre tulad ng naganap pangalawang lugar sa mga pangkalahatang problema ng form, kung saan ang paksa ay itinuring lamang bilang isang panimulang punto. Gayunpaman, sa huling 30 taon ng ika-20 siglo, isang malaking bilang ng mga Amerikanong artista ang bumalik sa representasyon, sa gayon ang muling pag-invest sa tanawin bilang isang paksa.
Mga komposisyon ng Figure at habang buhay pa rin
Kung ikukumpara sa pangunahing mga tema ng awtonomikong pagguhit - larawan at tanawin - lahat ng iba ay may mas kaunting kahalagahan. Ang mga komposisyon ng figure ay lubos na nakasalalay sa pagpipinta ng kanilang oras at madalas na direktang konektado dito. Mayroong, sigurado, ang mga artista na nakipag-ugnay sa kanilang mga guhit sa mga tema ng napakalaking pagpipinta, tulad ng ika-17 na siglo na ukit at etcher na si Raymond de La Fage; sa pangkalahatan, gayunpaman, ang layunin ng artistikong komposisyon ng figure ay ang larawan, kasama ang pagguhit na kumakatawan ngunit isang kapaki-pakinabang na tulong at istasyon ng paraan. Ang mga eksena sa Genre, lalo na tanyag sa ika-17 na siglo na Mga Bansa (tulad ng ginawa nina Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade, at Jan Steen, halimbawa) at noong ika-18 siglo ng Pransya at England, ay nakamit ang ilang independiyenteng paninindigan. Noong ika-19 na siglo, mayroon ding mga guhit na nagsasabi sa mga kwento ng pang-araw-araw na buhay; madalas na naglalarawan sa pagkatao, maaari silang tawaging "maliit na larawan," hindi lamang sa account ng madalas na multicolored format kundi pati na rin sa kanilang artistikong pagpapatupad.
Ang mga lifes pa rin ay maaari ring mag-claim ng pagiging autonomous drawings, lalo na ang mga representasyon ng mga bulaklak, tulad ng mga Dutch artist na si Jan van Huysum, na naging tanyag mula pa noong ika-17 siglo. Dito, muli, totoo na ang isang maayos na dinisenyo na pag-aayos ay nagbabago ng isang agarang pag-aaral ng kalikasan sa isang nakalarawan na komposisyon. Sa ilan sa mga komposisyong ito ang pagkakapareho sa pagpipinta ay napakalakas; ang mga pastel ng ika-19 at ika-20 siglo na artist na si Odilon Redon, halimbawa, o ang gawain ng ika-20-siglo na Aleman na Expressionist na si Emil Nolde, kasama ang chromatic intensity nito, ay halos lahat ng naghahati sa pagitan ng pagguhit at pagpipinta. Sa mga buhay pa rin, tulad ng sa mga landscapes, ang mga awtonomous na prinsipyo ng anyo ay mas mahalaga sa mga modernong artista kaysa sa katotohanang pahayag.
Fanciful at nonrepresentational drawings
Ang mga guhit na may haka-haka at malambing na mga tema ay higit na independiyenteng ng panlabas na katotohanan. Ang mga pananaw sa panaginip, metamorphose, at ang pagpasok ng magkahiwalay na antas at rehiyon ng katotohanan ay naging tradisyonal na mga tema. Ang huli na ika-15 siglo na mga phantasmagoric na gawa ng Hieronymus Bosch ay isang maagang halimbawa. Mayroong kamangha-manghang mga eksena ng magsasaka sa ika-16 na siglo Flemish artist na si Pieter Bruegel at ang karnabal na mga etkulo ng ika-17-siglo na Pranses na artist na si Jacques Callot. Ang iba na ang mga gawa ay naglalarawan kung ano ang maaaring gawin sa pagguhit sa labas ng tanawin at larawan ay: ang ika-18-siglo na Italyanong ukit na si Giambattista Piranesi, ang ika-18-siglo na Anglo-Swiss artist na si Henry Fuseli, ang naglalarawan ng ika-19 na siglo na Ingles na si Walter Crane, ang ika-19 na siglo na Pranses Simbolistang artist na si Gustave Moreau, at ang mga ika-20 siglo na Surrealista.
Ang di-pagpapahayag ng sining, kasama ang pagbawas ng mga pangunahing elemento ng pagguhit-point, linya, eroplano — sa dalisay na anyo, ay nag-aalok ng mga bagong hamon. Sa pamamagitan ng pagtalikod sa mga kaugnay na ugnayan ng corporeal at spatial, ang paglalahad ng mga sukat ng pagguhit at ang istraktura ng iba't ibang mga medium ay nakakakuha ng bagong kabuluhan. Ang mga graphic na katangian ng linya sa eroplano pati na rin ang hindi minarkahang lugar ay binigyan ng diin sa mga naunang panahon — halimbawa, sa grotteschi ni Giuseppe Arcimboldo noong ika-16 na siglo (ang malambing o kamangha-manghang mga representasyon ng mga form ng tao at hayop na madalas na sinamahan ng bawat isa at nakipag-ugnay sa mga representasyon ng mga dahon, bulaklak, prutas, o gusto) at sa mga pagsasanay sa calligraphic tulad ng moresques (malakas na estilong linear na dekorasyon, batay sa mga dahon at pamumulaklak) - ngunit kadalasan bilang mga modelo ng pag-print o pag-ukit para sa pinaka magkakaibang pandekorasyon na mga gawain (panloob na dekorasyon, kasangkapan, kagamitan, alahas, armas, at iba pa).
