Hapon ng musika

Koto musika

Mga paaralan at genre

Ang koto, isang 13-stringed zither na may mga palipat-tulay na tulay, ay nabanggit bilang isa sa mga pangunahing instrumento ng ensemble ng korte pati na rin ang isang pangkaraniwang accoutrement sa kultura para sa mga kababaihan ng korte. Ang pagbuo ng mga independiyenteng genre ng musika ng solo at kamara para sa instrumento na iyon ay nagiging mas maliwanag dahil ang isang lumipat sa panahon ng Muromachi (1338–1573). Ang pinakaunang pinakaligtas na paaralan ng solo koto na musika ay ang Tsukushi-goto. Una itong nabanggit sa huling bahagi ng ika-16 na siglo sa isla ng Kyushu kung saan, sa mga siglo, ang mga refugee at mga tapon ng korte ay natipon sa mga kaguluhan sa Kyōto. Mas maaga ang impluwensya ng mga Tsino ay inaangkin din bilang bahagi ng paglikha nito, kahit na ang mga makasaysayang katotohanan ay hindi malabo. Ang tsukushi-goto repertoire ay sinasabing magsisimula sa mga variant ng mga kanta ng korte ng imayō. Ang mga hanay ng mga kanta ay sinamahan ng koto at kung minsan sa pamamagitan ng three-stringed plucked samisen (shamisen sa Tokyo dialect). Ang mga hanay ay tinawag na kumiuta, isang term na inilalapat sa karamihan ng musika sa silid na sumunod. Ang pari ng ika-16 na siglo na si Kenjun ay kinikilala sa paglikha ng paaralan at ang mga unang komposisyon nito. Ang tradisyon ay naging mas ligtas nang lumitaw ito sa Edo. Mayroong isang musikang bulag sa ika-17 na siglo na nagngangalang Jōhide, na isang mag-aaral ni Hōsui, na siya mismo ay isang mag-aaral ng Kenjun, ay bumuo ng kanyang sariling bersyon ng naturang musika. Nagdagdag siya ng mga komposisyon sa mas tanyag na mga idyoma at kaliskis, na pinangalanan ang kanyang sarili na Yatsuhashi Kengyō, at itinatag ang paaralan ng Yatsuhashi ng koto. Ang pamagat na Yatsuhashi ay pinagtibay kalaunan ng isa pang tila hindi nauugnay na paaralan sa malayo timog sa Ryukyu Islands.

Ang mga karagdagang paaralan na sikat, o "bulgar," koto (zokuso) ay sumasalamin sa walang-hanggang buhay ng bagong Tokugawa (tinatawag ding Edo) na panahon (1603–1867). Noong 1695 isa pang pangatlong henerasyon ng pagpapalawig sa tradisyon ng kj Kenjun ay si Ikuta Kengyō, na nagsimula sa kanyang paaralan sa Ikuta. Ang salitang kengyō ay naging isa sa mga pangunahing ranggo ng mga musikero sa ilalim ng sistema ng guild at sa gayon ay madalas na matatagpuan sa mga propesyonal na pangalan, ngunit ang pangalang Ikuta ay nanatili bilang isa sa mga pangunahing mapagkukunan ng musika ng koto hanggang sa paglikha ng isa pang paaralan ni Yamada Kengyō (1757–1817). Sa kasalukuyang panahon ng Japan, ang mga paaralang Ikuta at Yamada ay nananatiling popular, samantalang ang mga naunang tradisyon ay lumabo nang malaki. Ang parehong mga paaralan ay nagbigay ng mga sikat na kompositor, at may ilang mga piraso mula sa kanilang mga paaralan, pati na rin ang ilang mga naunang gawa, na ngayon ay ibinahagi ng mga guild bilang bahagi ng klasikal na repertoire ng koto. Ang bahagyang mahaba at mas makitid na hugis ng Ikuta koto ay gumagawa ng isang tono na madaling makilala mula sa paaralan ng Yamada.

Koto musika ay kilala sa pangkalahatan bilang sōkyoku. Sa musika ng koto solo na instrumento (shirabemono), ang pinakamahalagang uri ay ang danmono, isang pagkakaiba-iba ng piraso sa ilang mga seksyon (dan), bawat isa ay normal na 104-beat na haba. Ang termino para sa koto silid ng musika, sankyoku, ay nangangahulugang musika para sa tatlo. Ang karaniwang instrumento ngayon ay binubuo ng isang koto player na umaawit din, kasama ang mga performer sa isang three-stringed plucked samisen lute at isang end-blown shakuhachi flute. Sa mga naunang beses ang isang bow variant ng samisen na tinatawag na kokyū ay ginagamit nang mas madalas kaysa sa plauta. Ang pangunahing uri ng musika ng kamara ay tinawag na jiuta at pinagsasama ang naunang tradisyon ng kumiuta na may kasamang awit na may instrumental na musika sa pamamagitan ng mga alternatibong mga seksyon sa pag-awit (uta) at instrumental na interludes (tegoto). Matapos ang ika-19 na siglo ng isang pangalawang bahagi ng koto na bahagi (danawase) ay madalas na naidagdag sa mga instrumental na pagsasama. Ang dalawampu't-isang siglo na mga pagbabago ay saklaw sa ibaba.

Mga himig at notasyon

Ang bawat paaralan ng koto na musika mula sa tradisyon ng magalang hanggang sa kasalukuyan ay nagsasangkot ng mga pagbabago sa istruktura ng mga instrumento pati na rin ang mga pagbabago sa pamamaraang paglalaro at notasyon. Ang sinaunang koto ng koto (gaku-so) ay katulad sa modernong koto at nilalaro gamit ang mga pick (tsume) sa hinlalaki at unang dalawang daliri ng kanang kamay o may hubad na mga daliri, bagaman, hindi katulad ng mga estilo ng Ikuta at Yamada, sa kaliwa ang kamay ay hindi ginagamit upang baguhin ang tono sa pamamagitan ng pagpindot sa string sa kabilang panig ng mga palipat-lipat na tulay. Ang notasyon nito ay binubuo pangunahin sa mga pangalan ng mga pangunahing pattern bilang karagdagan sa paminsan-minsang mga melodic fragment at ang teksto. Ang kaligtasan ng buhay ng naturang musika ay nakasalalay sa isang patuloy na mabubuhay na tradisyon ng rote; sa gayon, ang karamihan sa tradisyon ay nawala.

Ang mga himig ng 13 string ng koto ng korte ay nagmula sa mga mode ng ryo at ritsu scales ng mga naunang panahon. Ang mga tuning na ginamit sa mga tradisyon ng Edo koto, gayunpaman, ay nagpapakita ng bago, tila katutubong, toneladang sistema. Ang mga konsepto na iyon ay sa huli ay ikinategorya sa ilalim ng dalawang kaliskis na tinatawag na yo at sa. Ang tuning ng hira-joshi ay lilitaw sa mga sikat na unang mga gawa bilang Rokudan (Anim na Dans) na inilarawan kay Yatsuhashi Kengyō, ang "tagapagtatag" ng mga modernong istilo ng koto. Sa lahat, mayroong ilang 13 standard na mga tuning para sa koto at maraming mga variant. Tulad ng lahat ng iba pang mga tanyag na musika ng Hapon mula ika-17 siglo, ang mga koto tunings ay batay sa alinman sa mas lumang tradisyon na napanatili sa bahagi sa form ng yo o sa mas "modernong" sa laki. Ang isa ay maaaring mapansin ang paminsan-minsang mga piraso mula sa ika-19 na siglo na sadyang isinulat sa nakaraang estilo ng gagaku mode pati na rin ang paggamit ng Holland tuning (oranda-choshi), ang pangunahing pangunahing sukat na nagmula sa lugar ng negosyo ng Dutch sa Deshima sa Nagasaki. Gayunpaman, ang sistema ng yo-in ay nananatiling pangunahing mapagkukunan ng tonal para sa bagong musika ng Hapon mula ika-17 siglo,, ang mga eksepsiyon ay muling nabuhay ng musika ng korte, ang mga bagong pag-play ng Noh, at ang gawain ng mga kompositor ng avant-garde pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig.

Ang pinakamaagang nakalimbag na mga notasyon ng koto, samisen, at mga piraso ng plauta mula sa panahon ng Tokugawa ay matatagpuan sa Shichiku shōshinshū (1664), ang Shichiku taizen (1685), at ang Matsu no ha (1703). Bagaman maraming mga seksyon ng naturang mga koleksyon ay naglalaman lamang ng mga teksto ng mga kanta, ang ilang mga piraso ay kasama sa linya ng mga salita na may mga numero na kumakatawan sa mga string sa mga posisyon ng koto o daliri sa samisen, mga pangalan ng mga stereotyped koto pattern, o mnemonics para sa partikular na instrumento na kung saan ang piraso ay natutunan. Sa huling bahagi ng ika-18 siglo ay kapwa ang mga koto at ang mga tradisyon ng samisen ay nabuo nang mas malinaw na mga notasyon. Ang bersyon ng koto (unang nakita sa Sōkyoku taisho, 1779) ay gumagamit ng iba't ibang laki ng mga tuldok upang ipahiwatig ang ritmo. Sa unang bahagi ng ika-19 na siglo mga numero ng string ay inilagay sa mga haligi ng mga parisukat na kumakatawan sa ritmo. Ang mga numero at mga parisukat sa kalaunan ay sinamahan pa ng ² / ₄ bar-line konsepto ng West, upang ang mga notations ng parehong mga paaralan sa araw na ito, bagaman magkahiwalay na mga system, mapanatili ang isang balanse ng tradisyonal at Western mga ideya. Ang mga modernong komposisyon ay nagtangkang gawin ang pareho, ngunit bago ang mga maaaring tratuhin, dapat ibigay ang pansin sa mga tradisyon na konektado sa iba pang mga pangunahing instrumento ng panahon ng Tokugawa.